— 日本独自のMotion Graphics表現ってありますか？

日本独自のモーショングラフィックス表現――と聞かれると、頭にまず浮かぶのは、モニターでもプロジェクターでもなく、ろくろを回す手の動きなんです。

古くは縄文土器の文様、平安の蒔絵、友禅染、組紐、織物……。それらはどれも「時間を素材にするデザイン」でした。釉薬が流れ、金粉が舞い、糸が交差して模様が生まれる。その一瞬一瞬が“止まらない造形”として積層していく。これこそ、まさにモーショングラフィックスの原型なんじゃないかと思うんです。

つまり、Motion Graphicsは“現代の工芸”とも言える。コンピュータという新しい「道具」を手に入れた職人が、ピクセルという粒子を素材に、光と時間を編んでいる。マウスやペンタブレットも、もはや「デジタルの漆刷毛」や「仮想のろくろ」なんですよ（笑）。

日本の伝統工芸には、「侘び寂び」「間」「余白」といった独自の美学があります。それは、存在しないもの――“何もない”ことの中に美を見る感性です。動くグラフィックの中でも、そうした「間」や「静けさ」が表現できると、それは世界のどんな最先端の映像よりも深い呼吸を持ちはじめる。

僕が思う日本的モーショングラフィックスとは、派手なエフェクトよりも、時間の“間合い”をデザインする映像です。能の舞がゆっくりと一歩踏み出すように、書家が一瞬の筆圧で全てを決めるように、“動かす”ことよりも“止める勇気”に美が宿る。その抑制と緊張の中に、豊かな感情が立ち上がってくる。

そしてもうひとつ、日本独自の特徴は「匿名性」だと思います。海外ではアーティスト名や個性を強く打ち出すけれど、日本のデザイン文化は“作品そのものが語る”ことを重んじる。誰が作ったかよりも、“どう見えるか、どう感じるか”を大切にする。それは浮世絵にも、琳派にも、アニメーション文化にも脈々と流れているDNAです。

モーショングラフィックスもまた、その延長線上にある。技術やソフトの名前ではなく、“感覚”や“気配”が伝わる表現であること。一見無機質なデジタルの画面の中に、人間の手の温度が残ること。そういう作品こそが、世界が「日本的」と感じるものだと思います。

だからいつも制作中で思うんです。「これって、デジタルの中の工芸だな」と。道具は違えど、根底に流れているのは、“丁寧に作ること” “無駄を愛でること” “時間をデザインすること”。

結局、Motion Graphicsは最先端のテクノロジーを使った“時間の手仕事”なんですよ。それが日本の美学と重なったとき、世界にない表現が生まれる。そして、そういう表現こそが、次の時代の“文化産業”になっていく。

世界が評価してくれるのは、最新の技術じゃなく、その背景にある「美意識」という土壌なんだと思います。だから僕たちは、マウスを動かしながら、
何百年も前の職人たちと同じように――
「美しいとは何か？」という問いを、今日も手の中でろくろ回しているんじゃないですかね。